Admiro o trabalho da filósofa Márcia Tiburi há anos, desde que comecei a assistir às suas palestras no programa Café Filosófico, da TV Cultura. Por isso, fiquei muito feliz quando ela passou a integrar o time de damas do Saia Justa, da GNT. Infelizmente, não assisto ao programa tanto quanto gostaria (não tenho TV a cabo), mas toda vez que me hospedo em um hotel com esse recurso, não deixo de acompanhar o papo da mulherada.

Há algum tempo, o shopping Iguatemi promoveu no seu vão central um Saia Justa ao vivo aqui em Florianópolis, e não pude deixar de assistir. Gostei de tudo, mas fui para casa com uma frase da Márcia na cabeça. Falando sobre compras, moda e roupas, ela declarou que há anos se veste de preto porque para usar outras cores é preciso escolher, combinar, harmonizar. Tem que pensar muito, tomar decisões difíceis. Ela acha que usar roupa colorida não é para qualquer um. Está certa a moça.

Escolher preto é confortável, pois desconheço uma mulher que não fique bem com essa cor (ou não-cor, como queiram). Preto não deixa aparecer sujeira, é prático, elegante, afina a silhueta e dá um ar de discrição misteriosa, principalmente se a bela em questão caprichar na maquiagem.

Mas será que vale a pena apelar para a monocromia em nome do conforto e da elegância fácil? Não estaríamos abrindo mão de uma ferramenta de expressão importante para a nossa saúde mental? Uso bastante preto pelos motivos expostos acima, mas não consigo me imaginar assim numa linda manhã ensolarada de verão ou numa gloriosa tarde de primavera. Penso ser necessário estar em sintonia com o universo, e as cores são muito poderosas para traduzir bem nosso estado de espírito e essa comunhão com o ambiente.

Essas questões me lembraram do trabalho do suíço Johannes Itten, professor de Teoria da Cor da antológica Bauhaus, uma das primeiras e mais importantes escolas de Design do mundo.

Itten acreditava que as preferências pessoais pelas cores revelavam não apenas o gosto subjetivo da pessoa, mas também muito de seu temperamento e das suas limitações. Entender mais sobre as cores prediletas era, para ele, um importante exercício de auto-conhecimento. Essas associações pessoais entre cores harmônicas diferentes para cada indivíduo sofrem também influências culturais, sociais, conscientes e inconscientes.

Anos depois do trabalho de Itten, pesquisadores de psicologia conseguiram relacionar a escolha das cores com estados emocionais e com a estrutura da personalidade. Os estudos foram tão bem sucedidos que alguns países utilizam testes de preferências cromáticas como auxiliares nos diagnósticos clínicos dos pacientes.

Em suas pesquisas, Itten descobriu que os talentos das pessoas são bem traduzidos pelas cores de sua preferência. O pesquisador separou duas características distintas que as cores têm. A primeira é o agente cromático, que refere-se à constituição do pigmento, sua realidade físico-química. A segunda é o efeito cromático, que traduz o impacto que a cor tem sobre nós, a realidade psicofisiológica da nossa percepção.

Levei um tempo para gostar de azul claro porque um dia, quando criança, ouvi a minha mãe comentar que era cor de cemitério. Tem quem não goste de vermelho porque esse tom traz lembranças desagradáveis sobre alguma fase da vida. Nossa história é completamente colorida, não há como negar a presença marcante das cores em cada cena. Assim, o cérebro de alguém tem motivos para preferir usar azul com detalhes vermelhos, enquanto outra pessoa jura que azul só combina mesmo é com marrom. Isso sem contar que o tom de pele e cabelo também precisam ser levados em consideração se estamos falando de roupas. É complicado, trabalhoso, e, como diz a nossa filósofa, tem que pensar muito.

Itten já dizia, em 1961, que “as pessoas juntam cores complementares ou combinações que estão na moda em vez de refletirem-se a si mesmas”. Outras gentes, como a Márcia, elegem uniformes pessoais que as liberam de buscar a difícil sintonia entre a roupa e o humor do dia.

Por tudo isso, o estudo das cores deve ser um exercício divertido e revelador para os designers, uma vez que só a prática constrói a excelência. Descobrir e analisar suas próprias predileções deveriam ser itens obrigatórios na formação de um bom profissional da área.

Penso que, conhecendo-se melhor do ponto de vista cromático, os designers saberiam distingüir melhor suas preferências das dos seus clientes, e, principalmente, estariam mais preparados para eleger os tons mais adequados a cada projeto, independente do seu gosto ou o do cliente, posto que, muito além das combinações pessoais, há que se considerar estudos sobre psicodinâmica das cores e outros aspectos importantes, tanto objetivos como subjetivos, essenciais para uma composição competente.

Designers, são por definição, pessoas coloridas. Uniformes monocromáticos são perfeitamente aceitáveis e convenientes para qualquer outro profissional. Porém, na minha opinião, designers que só andam de preto nada mais são do que uns grandessíssimos preguiçosos…

Ligia Fascioni | www.ligiafascioni.com.br

Acontece mais vezes do que eu gostaria, mas quando vejo um trabalho gráfico grotescamente desalinhado, com proporções erradas e um indisfarçável desprezo pela ergonomia, é comum ouvir o seu orgulhoso autor (profissional ou estudante) declarar que ficou assim porque ele é inovador e gosta de quebrar as regras.    

Quebrar as malditas e famosas regras, além de ser podre de chique, ainda nos dá uma maravilhosa sensação de transgressão. Quem não gosta?   

Pois então. O negócio é que quebrar regras (pelo menos as do design), não é tarefa para amadores. Não basta cortar o cabelo no melhor estilo emo e sair arrastando o mouse descontroladamente para achar que está dando sua contribuição pessoal contra o mercado, culpado de todos os males da humanidade, da caspa aos bugs do CorelDraw.  

Para mim, o tal infrator deveria ter pelo menos um histórico mínimo de convivência com as tais regras antes de assassiná-las alegremente. Deveria conhecer seus  hábitos, costumes, dificuldades, crises. Ser confidente, parceiro e cúmplice dos conceitos. Freqüentar as entranhas da semiótica, ser amante contumaz da teoria das cores, jantar todas as noites com a ergonomia, dançar agarradinho com a gestalt, participar de orgias com a tipografia, tudo isso sem perder de vista as proporções e os alinhamentos, normalmente mais ariscos. Falo de contato diário mesmo, de sentir o hálito, íntimo de enjoar. Até que, com o tempo, a relação se desgastaria e o designer-inovador resolveria dar um chega-pra-lá fatal nessa galera espaçosa.  

Um crime sim, mas plenamente justificado pela paixão, pela fadiga, por um propósito, pela libertação. De preferência, quebrar o pescoço de uma por uma em projetos alternados (regricídio em massa é para ditadores surtados). Melhor quanto mais premeditado, mais sutil, mais noir, mais cheio de graça. Ataques  vulgares de peixeira não cativam o público (nem os clientes). Para crimes elegantes é preciso cultura e sangue-frio.  

O que mais se vê, infelizmente, é designer matando a pauladas perfeitas estranhas, regras que ele nunca viu antes (ou não se lembra). Sujar as mãos para dar um fim cruel a desconhecidas, vamos combinar, carece de um mínimo de dignidade, né? Um verdadeiro barbarismo para quem se diz profissional. Se o sujeito não conhece as vítimas, então elas não lhe incomodam, não existem para ele. Como é possível então quebrá-las, amassá-las, picá-las, estraçalhá-las ou o que for?    

Tipos assim não quebram regras. O ar blasé, na verdade, esconde uma profunda ignorância das coisas do mundo em geral e da sua profissão em particular. Puro blefe.   

Comigo esse papo de quebrar regras não pega não. Além do mais, detesto covardes.   

Lígia Fascioni | www.ligiafascioni.com.br 

Metáforas são tudo de bom. Elas transferem o sentido original de uma palavra para um novo contexto e, com isso, contribuem muito para a gente se expressar de forma mais didática, organizar melhor os pensamentos e entender com mais clareza nosso tresloucado mundo. Ela se aproveita de idéias conhecidas e familiares para introduzir outras, mais novas e originais. Há que se ter muita cultura e criatividade para dominar essa arte, e não é à toa que a gente encontra verdadeiros mestres do riscado entre os maiores filósofos.

Os profissionais de marketing e os homens de negócios, que não são bobos nem nada, vivem explorando as amplas possibilidades dessa poderosa ferramenta. Só que num mundo mergulhado em testosterona, acabam apelando para o esperados e manjados conflitos e disputas como figura de linguagem. Independente de todos os méritos da obra “A arte da guerra”, do lendário Sun Tzu, não gosto da metáfora. Mesmo tendo inspirado tanta gente boa e servir de referência até hoje, ainda me incomodo com esse jeito de pensar. Acho exageradamente belicoso e o mundo já tem esse ingrediente em excesso. Como é que o pessoal coloca mesmo nos briefings? Ah, público-alvo. Não engulo esse nome de jeito nenhum.

Lembrei disso numa visita recente que fiz ao site de um dos maiores escritórios de design do Brasil especializado em gestão de marcas, o Ana Couto Branding & Design. Bem na página inicial, aparece a seguinte frase: “O objetivo de uma marca não é atingir seu público”. Logo depois, vem: “O público não é um alvo”. O que posso dizer de tanta audácia e atrevimento? A-do-rei! Fazia tempo que não me sentia tão identificada com uma abordagem.

O uso constante da metáfora da guerra acaba por provocar esses tratamentos brutais que a gente é submetido todo dia por empresas que se dizem preocupadas conosco. Mas também, o que esperar de alguém que quer nos atingir, que nos considera apenas um alvo? Alvo não interage, é passivo. Fica quieto, só esperando ser espetado ou furado. Ninguém respeita alvo; ele está lá só como exercício, para contar pontos na competição, para somente um ganhar e todos os outros perderem (claro que o alvo nunca ganha). Alvo é bidimensional, sem nenhum refinamento ou originalidade. Ninguém quer saber o que o alvo pensa, sente, ou quer. É cruel e de mau gosto. Não sei quanto a vocês, mas eu detesto ser vista e tratada como alvo. Precisamos urgentemente de novas idéias.

Aliás, tenho até uma sugestão a dar. Que tal, se em vez de público-alvo, a gente usasse uma metáfora mais parecida com a maneira com que a empresa quer (ou diz que quer) tratar o seu cliente? Simplificaria muito mais os planejamentos, pois o grau de intimidade e atenção que se daria ao freguês ficaria mais definido: teríamos o público-pretê, o público-ficante, o público-namorado, o público-apaixonado, o público-comprometido, o público-pra-casar, o público-amigo-de-infância, o público-colega-de-aula, o público-casinho, o público-conhecido-de-vista, o público-confidente, o público-vizinho-de-porta, o público-amante, o público-sai-pra-lá, o público-só-por-uma-noite, e mais uma infinita gama de ricas possibilidades.

A metáfora da guerra, além de simplista, está datada. Que atingir o mercado, que nada. Vamos seduzi-lo, encantá-lo, atraí-lo, até mesmo desencaminhá-lo, mas jamais pela força bruta. Alvos são para meninos crescidos brincarem. E design, vocês sabem, é coisa de gente grande.

Lígia Fascioni | www.ligiafascioni.com.br

Se tem uma coisa que eu adoro é conversar com gente inteligente. Mas o que mais me encanta mesmo é quando a pessoa usa essa inteligência para destruir meus argumentos, duvidar das minhas certezas, provocar a reavaliação dos meus conceitos.

Pois foi exatamente isso que aconteceu numa de minhas aulas de introdução à biônica. Estava confortavelmente discutindo sobre a definição de design que forjei junto com minha equipe em uma aula do doutorado. Depois de estudar várias referências (sim, nós analisamos também aquela que diz que design é sinônimo de projeto entre outras dezenas), concluímos, após exaustiva discussão, que o design se sustenta sob o tripé projeto–conceito–estética. Desde então tenho usado essa definição, mesmo sabendo que ela não é consenso e gera polêmica. Não a apresento como “a verdade”. É apenas, do meu ponto de vista, a definição com a qual me senti mais confortável em defender até hoje.

Vejamos: o projeto permite a produção em escala industrial; o conceito explica a função primária do objeto, o significado, a escolha dos materiais, formas e cores, o ciclo de vida, a maneira como ele vai interagir com o ser humano, a ergonomia, a usabilidade; a estética é o que o torna atraente, o que encanta e faz vender.

Foi aí que os alunos perguntaram: mas e a função, não é o mais importante no design? Sim, a função é muito importante, mas, como já disse, ela está embutida no conceito. Para eles, a estética é que deveria estar implícita no conceito. Quem deveria sustentar o outro pé deveria ser a função. A sugestão é que o modelo fosse mudado para projeto–conceito–função.

Retruquei que hoje em dia, dadas as inúmeras opções de compra, o desempenho e a facilidade de uso de objetos concorrentes são mais ou menos equivalentes. As pessoas não escolhem uma televisão ou um carro pela sua função estrita, mas pela sua função ampla, que inclui o simbolismo. A função estrita (o uso primário do objeto) continua fundamental; ninguém quer um telefone que não funcione; mas não é mais o fator que decide a compra.

Há objetos de design, inclusive, cuja função é apenas significar; é o caso das jóias e de alguns acessórios, por exemplo. O peso da função no projeto do objeto dependeria então do contexto onde (e por quem) ele será usado. Por isso é que, para mim, a função faz parte do conceito. Apenas para evitar mal entendidos, vou repetir: não estou dizendo que a função primária não é importante, mas que o peso da funcionalidade em um objeto depende de como ele foi conceituado. Para deixar bem claro, coloco a função simbólica nos domínios da estética e deixo a função primária (usabilidade) no eixo do conceito.

Então o Daniel me desafiou: ok, algumas aquisições privilegiam o significado e a estética na decisão de compra. Mas há outras onde a aparência nem é considerada. Se eu vou adquirir um tanque de guerra ou um míssil, por exemplo, estou pouco me importando se o negócio é feio ou bonito. O desempenho dele é mais importante que tudo.

É mesmo, o rapaz tinha toda razão. Fui para casa matutando, onde é que está o furo na minha linha de raciocínio? Se eu vou comprar um robô ou uma máquina industrial, não escolho pela beleza, mas pelas características técnicas. Será que eu deveria rever minha definição de design?

Foi então que, depois de uma noite mal dormida de tanto queimar os miolos, cheguei a uma conclusão que me satisfez. Olha só.

Quando um objeto é concebido pensando-se apenas e tão somente na sua função primária, sem considerar sua função simbólica (estética) isso não é design. É engenharia.

Justamente o que separa o design da engenharia é essa perninha da estética. O projeto e o conceito, a engenharia também tem, posso dizer com toda certeza, inclusive, porque foi lá que a ergonomia nasceu. Na estética é que mora a diferença entre a engenharia e o design — a engenharia não perde tempo em encantar; o foco do trabalho é a função primária do objeto.

No final das contas, foi um ótimo exercício de auto-conhecimento. Finalmente descobri que foi exatamente esse o motivo que me fez migrar da engenharia para o design. Eu adorava a engenharia, faria tudo de novo, mas sentia falta da estética, do simbólico.

É isso, então. Na engenharia, a forma segue a função. No design, a forma segue a intenção.

Obrigada, Daniel.

Lígia Fascioni | www.ligiafascioni.com.br

Livrarias de aeroporto são pródigas em best-sellers de negócios e auto-ajuda, mas, garimpando bem, é possível encontrar verdadeiras jóias. Foi em Brasília que descobri “A evolução das coisas úteis: clipes, garfos, latas, zíperes e outros objetos de nosso cotidiano”, de Henry Petroski. Ele conta a história do design partindo de objetos do dia-a-dia que um jeito muito original e bem fundamentado.

Petroski pauta a história da evolução dos objetos a partir de algumas premissas muito interessantes que valem a pena conhecer. Vamos lá:

1. O luxo é a mãe da evolução. É o desejo, e não a necessidade, que impulsiona o desenvolvimento tecnológico. Segundo ele (e não dá para contestar), a gente precisa de água, mas daria para sobreviver numa boa sem gelo ou ar-condicionado. Ninguém morre se não tiver um iPod para chamar de seu e todas as gerações, exceto a última, conseguiram namorar tranqüilamente sem telefone celular e internet. São justamente aqueles pequenos luxos e comodidades os motores da inovação e da evolução das coisas. Maslow já tinha apontado esse caminho na sua famosa pirâmide, lembram?

2. A forma não segue a função; segue as falhas. Aqui aparece uma citação debochada e muito boa de um estudioso do design, David Pye, que declara, com todas as letras, que “a função é uma fantasia”. Ele ridiculariza a idéia de que uma coisa tem determinada aparência “porque precisa ser assim”: “O conceito de função em design (…) poderia merecer alguma atenção se as coisas invariavelmente funcionassem. Na verdade (…) nosso motivo inconsciente de fazer tanto trabalho inútil seria mostrar que, se não somos capazes de fazer as coisas funcionarem direito, pelo menos podemos fazer com que tenham boa aparência”. Exageros à parte, no fim é isso mesmo: não há objeto conhecido que funcione com perfeição, por isso é que tudo está sempre mudando e evoluindo. Sobre a teoria funcionalista, o autor apresenta ainda uma pérola de Adrian Forty: “Poderíamos dizer que os 131 diferentes designs criados por Montgomery Ward para os canivetes sejam resultado da descoberta de novos modos de cortar?”. Se a forma realmente seguisse a função, todos os objetos com a mesma função convergiriam para a mesma forma. Senão, como explicar a coexistência de talheres como garfo e faca e os hashis, aqueles palitinhos japoneses? A função (ajudar a comer) não é a mesma? Petroski mostra que a forma vai evoluindo à medida que as falhas vão sendo solucionadas em cada contexto.

3. O designer precisa escolher as falhas que irá manter no projeto. Pois é, partindo-se do princípio que não há objetos perfeitos e que alguns requisitos são sempre contraditórios, o designer precisa optar entre as falhas que irá manter e aquelas que irá corrigir ou eliminar. É nessa capacidade de decidir o grau e o lugar onde recairá a imperfeição que mora o talento de um bom profissional. As concessões variam: custo, peso, estética, segurança, conforto, mensagem; equilibrar tudo isso em um objeto só é tarefa para poucos.

4. O designer é um observador pró-ativo. Está no livro: designers são pessoas que não apenas xingam, mas logo se põem a pensar o que pode ser feito para eliminar o aborrecimento. Lawrence Kamm, outro estudioso citado, aconselha quem se dedica ao design a observar todos os objetos ao seu redor e se perguntar continuamente: “por que foram feitos assim?”; “como poderiam ser aperfeiçoados?”. Raymond Loewy, um dos primeiros designers da história dos Estados Unidos, afirmava que “grande parte dos mais ilustres engenheiros, gênios executivos e gigantes financeiros parecem viver num vácuo estético”. Sei não, mas não me canso de me surpreender com a total incapacidade de alguns estudantes de design (e até profissionais) de se incomodar com a desarmonia e o mau design. Se eles sequer notam o mundo à sua volta, como podem contribuir para melhorá-lo?

5. O registro de patentes pode atrapalhar o desenvolvimento de novos produtos. Essa é a tese mais polêmica. Petroski defende que, se os designers (ou inventores, como ele volta e meia os chama) não estivessem tão preocupados com seus direitos autorais, poderiam trabalhar mais em equipe e aproveitar pontos de vista alheios para a evolução de seus produtos. Cita vários exemplos de projetos que foram concebidos isoladamente e em segredo, mas que poderiam ter se beneficiado mutuamente com o compartilhamento das experiências.

6. As pessoas não gostam de inovações radicais. Bem, essa não é realmente nova. O ser humano detesta mudanças e resiste bravamente a quaisquer soluções muito diferentes daquelas que ele já conhece, é fato. Loewy criou até uma sigla para descrever o fenômeno: MAYA (Most Advanced Yet Acceptable). Assim, é preciso mudar aos poucos e de maneira a conservar algumas formas conhecidas, sob pena das pessoas rejeitarem a novidade. John Heskett, outra referência de respeito, diz que os designers devem “buscar um equilíbrio delicado entre a inovação, para criar interesse, e elementos que possam ser identificáveis para transmitir confiança”. É isso: inovação ma non troppo!

Tem muita coisa mais, como a história completa da 3M (eu só conhecia a parte do Post-It), estudos aprofundados sobre os objetos do título e a descrição de perfis inovadores e empreendedores.

Eu não sei quanto a você, mas eu vou colocar esse livro no topo da lista dos meus objetos úteis.

Lígia Fascioni | www.ligiafascioni.com.br

Talvez os números sejam a forma mais sensacional de demonstrar a inteligência humana. Essa capacidade de abstrair a idéia de quantidade, e mais, de manipular esse conceito e relacionar proporções, por si só já justificaria o kilo e pouco de cérebro que a gente carrega sobre os ombros.

Todo mundo já aprendeu números romanos na escola, mas poucos se lembram por que usamos apenas os algarismos arábicos nos dias de hoje. É simples: os hindus, os egípcios e os babilônios, ao contrário dos romanos, já usavam o mágico número zero. Ele torna possível operações matemáticas com números grandes usando o sistema posicional. Experimente fazer contas com mais de um dígito sem nosso amigo zero, usando apenas os números romanos. Simplesmente não dá!

Tem também o enigmático PI (??3,14), aquele que aparece em todas as formas circulares do universo inteiro e que não pode ser descrito por uma fração (o número de casas depois da vírgula é infinito, como todo número irracional que se preze). O PI é tão antigo que não se sabe ao certo quem o descobriu, mas o nosso ancestral que começou a dividir a circunferência dos círculos pelo seu diâmetro deve ter ficado emocionado ao descobrir que dava o mesmo número para qualquer que fosse o tamanho.

Uma das coisas mais fantásticas que já li sobre o PI está no livro “O último teorema de Fermat”, de Simon Singh. Ele conta que um geólogo da Universidade de Cambridge resolveu dividir o comprimento real de um rio, considerando todas as curvas e meandros, pela linha reta calculada da nascente até a foz. Adivinha o que ele encontrou, para qualquer rio? Nosso querido PI! Não é fantástico? Einstein sugere que o PI, nesse caso, é o resultado da batalha entre a ordem e o caos.

E ainda tem o sensacional PHI (??1,618), chamado de número de ouro e responsável pela proporção áurea, ou divina. Ele aparece o tempo todo na natureza, seja na espiral logarítmica que se forma quando olhamos o rabo de um camaleão, no miolo de um girassol, seja num furacão visto de cima e até nas formas da Via Láctea. Aparece na distribuição das folhas de um galho, nas medidas dos desenhos de uma pena de pavão e na asa de uma borboleta. Para o design, o número PHI é mesmo de ouro, pois ele indica quais são as proporções mais agradáveis ao olho humano. Um livro muito bom para quem quer saber mais sobre essa jóia é “Razão áurea: a história de fi, um número surpreendente”, de Mario Livio.

Eis o ponto onde quero chegar: designers não são tão amigos da matemática como deveriam. A reação alérgica a números é aquela mesma que ataca a quase todos que não decidiram estudar as ciências exatas.

Por que isso acontece? Bom, Pitágoras (aquele do teorema) nos dá algumas pistas. Desde o início, ele foi perseguido porque pensava demais, e o que é pior, perguntava demais. Desde suas primeiras descobertas matemáticas, sacou que deveria manter segredo se quisesse continuar vivo. Chegou a se isolar numa caverna em uma parte remota de uma ilha grega para poder estudar sem ser perturbado. O cara, porém, não gostava de ficar sozinho (vocês pensam que todo matemático é chato?) e acabou pagando um menino para estudar com ele. Apesar do rapaz ser muito aplicado, Pitágoras achou que ter um aluno só limitava bastante suas pesquisas e queria mais gente para trocar idéias. Foi no sul da Itália que ele encontrou ambiente mais propício para criar uma irmandade que chegou a ter seiscentos seguidores (incluindo mulheres, com uma das quais ele chegou a se casar). A irmandade era uma espécie de religião, onde os números eram os deuses. E Pitágoras era tão neurótico com os segredos matemáticos que os membros só eram admitidos se jurassem nunca revelar o que haviam descoberto. Reza a lenda que, depois da morte do Mestre, um dos alunos deu com a língua nos dentes sobre o dodecaedro e acabou afogado. Eu, heim?

Bom, esse cuidado todo não salvou a pele de Pitágoras, pois a mais brilhante escola matemática do mundo foi cercada e incendiada com o Mestre dentro. Graças a alguns discípulos que conseguiram escapar e se espalharam pelo mundo, formando outras escolas, hoje sabemos muita coisa sobre matemática devido a esse fantástico louco de pedra. 

As perseguições religiosas e políticas que sempre existiram foram levando os cientistas a escreverem de maneira cada vez mais hermética. Lembram de Galileu, que caiu na besteira de traduzir em linguagem inteligível o que tinha descoberto sobre as relações entre a terra e o sol? Quase foi queimado pela inquisição por essa ousadia de pensar (e calcular) demais. Se ele tivesse deixado tudo no código cifrado da matemática, não teria sido tão humilhado.

Tudo leva a crer que a matemática tornou-se antipática assim para se proteger, mas também acredito que parte da urticária que assola designers, publicitários, escritores e professores de línguas também se deva à impressionante incompetência de alguns professores da disciplina, que insistem em cobrar a parte chata e esconder as histórias mais legais (que talvez eles desconheçam – falta de cultura geral é uma doença das mais sérias).

Será que não está na hora de justamente os designers resgatarem essas maravilhas e a apresentarem de maneira mais palatável, amigável e simpática? Designers sabem como ninguém traduzir o mundo de uma maneira sedutora e atraente, que os leigos entendem muito bem.

Tudo bem, talvez não precisassem chegar a tanto. Mas, pelo menos, usar com mais freqüência a proporção áurea já seria um bom começo.

Lígia Fascioni | www.ligiafascioni.com.br